¿Qué es la danza contemporánea?

Para definir lo que es la danza contemporánea, tendremos que usar algunas ambigüedades: es un género alternativo y diferenciado de ballet y danza moderna. Hablamos de la danza contemporánea desde la segunda mitad del siglo XX (específicamente, desde los años 60), pero estas seis décadas han cedido el paso a la multitud de estilos, técnicas y disciplinas.

En términos generales, podemos decir que la danza contemporánea busca constantemente la innovación; Tanto en forma de movimientos, en las historias que quiere contar, en su estilo de música o en su distribución en el espacio. La característica principal es eclecticismo, además de que cada autor tiene su estilo individual.

Breve historia de la danza contemporánea

Para entender lo que es la danza contemporánea y de dónde proviene, tenemos que regresar a los Estados Unidos a finales del siglo XIX. Allí, de la mano de Isadora Duncan, surge la danza libre: se rechazan las formas clásicas del ballet, se buscan los movimientos naturales y simples, la improvisación y el contacto con la naturaleza.

Los 10 mejores teatros del mundo

Teatro Oficina

Sao Paulo, Lina Bo Bardi, 1991

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Un estrecho espacio de la calle largo, en la cáscara quemada de un antiguo teatro que se observó por una pared de galerías construidas de andamios. Construido para servir las actuaciones orgiásticos del creador del teatro Zé Celso, quien ha afirmado que la idea para el diseño abierto se produjo cuando, en un viaje de ácido y en funcionamiento de la policía, se encontró atrapado contra una pared sólida. Teatro Oficina tiene líneas de visión desafiantes, asientos duros y no es la forma común de los teatros a los que estamos acostumbrados.

Gran teatro, Epidauro

Grecia, Policleto el Joven, siglo 4 aC

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Es fácil dejarse llevar por la sencillez natural de Epidauro; la antigua original sería, con el traje, la decoración, los rituales y otros artificios, ha sido más artificial de lo que parece ahora. Sin embargo, todavía es magnífico para encontrar una estructura que reúne el rendimiento, la audiencia, el paisaje y el cielo con la simplicidad geométrica y la grandeza inefable. Y que tiene una acústica legendaria. En todos estos aspectos, es ayudado en gran medida por ser abierto y en un clima cálido. Teatros con techos pueden ser hermosos, pero nunca podrán recuperar el antiguo carácter directo de Epidauro.

Grosses Schauspielhaus

Berlín, Hans Poelzig, 1919

Resultado de imagen de großes schauspielhausLos nazis se sintieron obligados a encubrir el trabajo de un arquitecto como un ejemplo de arte degenerado, como sucedió con las bóvedas de estalactitas de la Schauspielhaus, sugiere que el arquitecto estaba haciendo algo bien. En el caso de Hans Poelzig , uno de los más originales de los arquitectos alemanes, que estaba haciendo algo espectacularmente derecho, creando un interior fascinante con las cualidades de ambos carpa de circo y de la cueva en respuesta a la directora sueño de hacer un teatro accesible a los de Max Reinhardt. Ahora destruido, no como podría pensarse por los bombardeos, pero por negligencia.

Teatro Nacional

Londres, Denys Lasdun de 1976

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La idea era celebrar el “cuarto teatro” creado por la audiencia a medida que avanzan sobre las escaleras, vestíbulos y balcones y se dirigen hacia los tres auditorios designados. Funciona. La estructura de los marcos de vida y las vistas del río y la ciudad fuera humana, que se experimenta con más fuerza para este abrazo concreto. Las crías de teatro, que es una cualidad subestimada en la arquitectura, pero también es edificante. Lo primero que un niño se daría cuenta de que podría ser el hormigón se parece a la madera, ya que lleva la imprenta en sus moldes de madera, lo que añade un nivel sutil de la ilusión.

Teatro científica

Mantua, Antonio Bibiena, 1769

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La Fenice , La Scala, Teatro Olímpico de Palladio en Vicenza … el norte de Italia no es otro de los grandes teatros. El teatro de Bibiena en Mantua captura con particular fuerza la idea de que un teatro es como una ciudad en miniatura, en el que ambos intérpretes y el público son los ciudadanos, que se les anima a comunicarse e interactuar entre sí. Las cajas se apilan en cuatro niveles de arcadas, como en una plaza de niveles múltiples, que luego se envuelve con curvas voluptuosas en un plan de forma de campana. Líneas de visión son tanto a través del auditorio, en otros espectadores, como en el escenario.

Hackney Empire

Londres, Frank Matcham, 1901

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En muchos sentidos opuestos de la estructura robusta y desnudo del teatro Nacional, el Hackney Empire es todo estuco y dorado, con cortinas de fantasía y estilos históricos saqueados por su efecto ornamental. El gusto, la decencia, la honestidad y el rigor histórico estructural son irrelevantes. Maquillaje teatral arquitectónico crea a la vez una burbuja de ilusión y una fuerte relación entre ambos escenarios y el público y entre una parte de la audiencia y otro. Originalmente un teatro de variedades, y uno de los muchos pusieron a alta velocidad en todo el país por el prolífico arquitecto de tales cosas, Frank Matcham.

Teatro Metropol

Tarragona, Josep Maria Jujol, 1908

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Jujol fue un seguidor de Antonio Gaudí que, a veces bendita con presupuestos más pequeños que el gran hombre ordenado, produjo obras que eran menos excesivas, pero igualmente inventivas. Su teatro Metropol, creado para la Escuela del Gremio de los Trabajadores, combina una estructura de repuesto para los brotes de ornamento completamente originales. La imagen es marítimas – olas, equipos de pesca, quillas de los barcos, peces – para apoyar su idea de que el auditorio era un barco de vela a su audiencia hacia la salvación. Todavía se puede disfrutar de la ligereza alucinatorio del espacio.

Teatro mundo

Venecia, Aldo Rossi, 1979

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Creado para la Venecia de Arquitectura Bienal, el Teatro del Mondo era una estructura flotante que podría deslizarse tranquilamente por la ciudad. Su forma de torre era una versión simplificada de las estructuras venecianas, tener algo de tanto la aduana del siglo 17 y la iglesia de la Salute, cerca de la cual se encontraba atracado. Su interior era empinado y vertical, como un teatro del renacimiento, y se define por la estructura de acero expuesta de la que se hizo. Sólo pretende ser una estructura temporal, que ya no existe, sino por su breve vida familiar que logró hacer monumentos de la ciudad que parecen nuevos. Si queréis construir una maqueta de este espectacular teatro flotante encontraréis todos los materiales necesarios en MasCupon.com

Teatro del Castillo

Cesky Krumlov, República Checa, 1682 y 1766

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Una obra de artificio barroco extremo, incluyendo la maquinaria escénica que aún sobrevive, dispositivos de efectos de sonido y conjuntos que retratan un bosque, un templo, un campo militar, un vestíbulo y así sucesivamente. Columnas hechas con cebada de azúcar o pares de árboles retroceden en una distancia de falsa perspectiva. El auditorio no es ni mucho menos teatral que el escenario, centrado en la caja con cortinas en las que los propietarios aristocráticos para los que fue creado el teatro tomarían sus asientos. Invita a la comparación con gabinetes y confitería. Pequeño, introspectivo, casi claustrofóbico, aliviado por el cielo ilusionista en el techo.

Radio City Music Hall

Nueva York, Edward Durell Stone y Donald Deskey de 1932

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Edward Durell Stone fue el artífice de la gran mentalidad, elegantemente sencillo museo de arte moderno en Nueva York. También creó, en colaboración con el diseñador Donald Deskey, la colosal de 6.000 asientos de radio de teatro en el Centro Rockefeller que, con sus círculos de color naranja iluminado concéntricos y líneas radiales, se supone que representa una puesta de sol. El museo miraba hacia la Bauhaus Europea, el teatro de Hollywood. El que convence a la mayoría no es po-enfrentado MoMA, pero la exuberante y opulento, estadio de escamas, magnífica-en-sus-escaleras-y-vestíbulos Music Hall.

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10 consejos para la representación de Shakespeare

¿Tienes que interpretar una pieza de Shakespeare para clase o para una audición? He recopilado una lista de 10 consejos para principiantes para empezar con The Bard.

1. Lea toda la obra.

Siempre debes leer toda la obra para entender el contexto del monólogo o escena que estás realizando. Si estás haciendo la obra de tu escuela secundaria o la universidad, entonces tienes que leer toda la obra. Es esencial saber por qué estás diciendo las cosas que estás diciendo y cómo su carácter entiende, interactúa, y piensa en otros personajes y situaciones. Además, a veces parcelas de Shakespeare pueden ser confusas, por lo que cuanto más se sabe acerca de la obra, serás más capaz de entender (y tal vez enseñar a otros) acerca del espectáculo.

2. Familiarizarse con pentámetro yámbico.

¿Suena aterrador? Como todo lo que se aprende por primera vez, que puede ser. ¡PERO! Una vez que entiendas el sistema, estás libre de dolor. Pentámetro yámbico es una línea de verso con cinco pies métricos, cada uno compuesto de una sílaba corto (o no sometida a esfuerzo) seguido de una sílaba larga (o subrayado). Contar las sílabas en cada línea. Por lo general, cada línea será de diez sílabas, pero a veces no será más o menos, y esto sugiere cómo se podría entregar la línea. Si hay menos de 10 sílabas, se podría decir que la línea más lenta, con más intención; si hay más de 10 sílabas, se podría decir que la línea más rápida y con mayor urgencia. Esto es sólo un punto de partida con el pentámetro yámbico, pero pruébalo y verás cómo te sientes. A veces las líneas de Shakespeare serán escritas en prosa. En ese caso, no te preocupes por pentámetro yámbico!

 3. Obtener información acerca de la puntuación de Shakespeare.

Al igual que la gente usa el texto abreviado para comunicarse entre sí, Shakespeare utiliza puntuación para dar a sus actores claves acerca de cómo deben leer una línea. A continuación se muestra una lista de las diferencias entre la forma en que utilizamos la puntuación de hoy y cómo utiliza Shakespeare, su puntuacion.

  • Período – parada completa con énfasis adicional; la sentencia y el pensamiento se detiene completo.
  • Coma – indica un cambio en el pensamiento, sino también un lugar para tomar un respiro
  • Colón – una indicación de un nuevo pensamiento que surge; el personaje está tomando una nueva dirección con su intención
  • Punto y coma – una indicación de que la línea siguiente será una explicación del pensamiento que precede el punto y coma.

4. No te detengas al final de una línea a menos que haya un período!

No estoy bromeando. Directores que han sido entrenados para Shakespeare te gritarán (con amor) si te detienes al final de una línea cuando no hay período. A pesar de que se ve como las paradas de oraciones, sigue leyendo en la siguiente línea debajo de ella. Por ejemplo, ver la línea de Hamlet a continuación.

“Vete a un convento: ¿por qué wouldst eres un
criador de los pecadores?”

… debe leerse así:

“Vete a un convento: ¿por qué wouldst eres un criador de los pecadores?”

5. No sabe una palabra? Mira hacia arriba!

Además de ser algunos de los mejores literatura en el idioma Inglés, las obras de Shakespeare contienen una muy amplia variedad de vocabulario. Shakespeare con frecuencia utiliza un lenguaje arcaico en su verso – “arcaica”, que significa “muy antiguo o anticuado.” Está bien si usted no sabe inmediatamente lo que significa una palabra. Eso es lo que los diccionarios y el Internet son para. Usted será mejor leer simplemente mediante la realización de su trabajo!

6. Aprender a parafrasear.

A veces Shakespeare parece desalentador, pero una vez que entienda sus textos, que estará mejor equipado para ofrecer las líneas. Parafraseando es un ejercicio donde se toma florido lenguaje de Shakespeare y la nueva redacción, línea por línea, en la forma en que podría expresar esa declaración en particular hoy en día. Por ejemplo, tomemos “¿Por wouldst eres un criador de los pecadores?” Y paráfrasis en, “¿Por qué quiere dar a luz a más personas que contribuyen a la delincuencia y el odio?” Además, a menudo erróneamente denominado “traducción” de Shakespeare , paráfrasis no le obliga a superar la barrera del idioma extranjero. Verso de Shakespeare (y prosa) es una clase de Inglés llamada Edad Moderna Inglés. A pesar de que el estilo de escritura es diferente, Shakespeare escribe en su idioma – Inglés Moderno!

7. Consiga sus manos en una copia del primer folio.

Si usted encuentra este texto en un formato digital libre o se echa un vistazo a ese misterioso lugar llamado … la biblioteca … este texto le dará una mirada al interior de cómo Shakespeare escribió originalmente sus obras – para el oído. Para animar a sus actores para enfatizar ciertas palabras o decirlas de una manera particular, Shakespeare escribe palabras de forma diferente en diferentes contextos, dependiendo de cómo quería que ellos pronunciada. Por ejemplo, en el acto III del primer folio en Julius Caesar, Mark Antony dice, “dejar pasar la Dogges de Warre.” En este caso, Shakespeare quería más énfasis puesto en las palabras que normalmente se escribe “perros de la guerra”. Trata de decir las dos líneas en voz alta. “Dejó resbalón los perros de la guerra” a “dejar pasar la Dogges de Warre.” Escucha la diferencia?

8. Calentar su voz.

Vas a estar haciendo un montón de hablar cuando se realiza Shakespeare. Verbosa 98% de las veces, los personajes de Shakespeare hacer un montón de hablar porque ese es el estilo que Shakespeare le gusta usar. (Usted no encontrará una gran cantidad de diálogo Mamet-esque en una obra de The Bard.) Haga calentamientos vocales que utilizan toda la gama de su voz de tono alto (en la cabeza) a tono bajo (en el pecho y el estómago). Además, junto con el calentamiento de su voz para que pueda llevar a cabo la musicalidad vocal de la lengua, asegúrese de usar el apoyo de la respiración para que proyectas . Proyecto, proyecto, proyecto! El público que no están familiarizados con Shakespeare necesitan escuchar cada palabra que dice, así que asegúrese de esos sonidos llegan a sus oídos.

9. Hacer los ejercicios de dicción!

Esencial para cada espectáculo, no sólo Shakespeare, ejercicios de dicción ayudan a preparar la boca para golpear las consonantes fuertes al final de las palabras: k, G, de camisetas, y D’s. Al realizar Shakespeare, si usted no golpea sus consonantes, sus palabras sonarán como un revoltijo, mooshy y nadie va a entender que . ¡Que les hagan esas hermosas palabras! Crujiente de esos t! Hit los k! Sus palabras fluirán de la boca de un río de mágica awesomeness, iridiscente, brillante y su público se extasía con su habilidad y experiencia con la enunciación.

 10. Que se diviertan!

Shakespeare no se supone que es aburrido. Su trabajo abarca una amplia gama de emociones humanas y experiencias que sentimos y vivimos cada día: el amor, el odio, la venganza, los celos, la amistad, la alegría, la traición, la malicia, la nostalgia, alegría, esperanza. En cada línea, encontrar al menos una frase que puede encontrar la diversión en decir, si usted es el villano o el héroe. Cuando encuentre las piezas de Shakespeare que le gusta, podrá apreciar su trabajo más y vas a entender mejor tu personaje.

¿Qué es el teatro de títeres?

Antes de la pregunta ¿Qué es el teatro de títeres, básicamente se podría decir que es un espectáculo que cuenta una historia a través de una figura inanimada, que se mueve gracias al esfuerzo de una persona, el llamado “manipulador”. Estas son las diferencias con el teatro tradicional porque, como en cualquier otro espectáculo, el objetivo es comunicar ideas, emociones y sentimientos ante una audiencia, ya sean niños o adultos.

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¿De dónde viene la palabra “títere”?

No está muy claro de dónde viene la palabra “títere” en español, pero es más probable que se refiera a algunas fichas que se pusieron en la boca titiriteros, con las que hicieron un silbido: ‘ti-ti’. Sin embargo, en otros idiomas la palabra proviene del latín pupa, pupae (muñeca); Y por lo tanto “títere”, en inglés; ‘Puppen’, en alemán, o ‘pupo’, en italiano. Por otro lado, en Francia se les llama marionnettes a todos los títeres (no sólo a los de hilos, como en español), debido a algunas figuras de la Virgen con las que se realizaron representaciones religiosas, las “pequeñas Maries”.

Tipos de títeres

Hay títeres de todas las formas y tamaños, desde títeres de dedo hasta gigantes tradicionales y cabezas grandes, pero estas técnicas son las más utilizadas:

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  • Marioneta o títere: La marioneta es generalmente una figura de madera, con la cabeza, el tronco y las extremidades articuladas, que se conectan con los hilos a una cruz, con el cual sus movimientos son controlados. Es una de las técnicas más antiguas, y hasta el siglo pasado fue posiblemente la más empleada en el mundo.
  • Marioneta de guante: La cabeza de esta marioneta suele ser voluminosa y de un material resistente, mientras que el cuerpo de tela es donde el titiritero pone su mano … como un guante. ¡De ahí su nombre, obviamente!

Los 10 espectáculos de siempre de Broadway

Es difícil nombrar el mejor de todos espectáculos de Broadway. Es como elegir un hijo favorito. Cada uno aporta un estilo único, la historia y la cultura a la etapa que encanta a un público de todas las diversas culturas y orígenes.

Sin embargo, hay algunos programas que destacan por encima de la multitud.

Se han convertido en nombres muy conocidos y han ofrecido a sus usuarios volver a los cines una y otra vez. He aquí una lista de los diez mejores shows que han adornado los escenarios de Broadway.

El fantasma de la ópera

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Ha sido el espectáculo de mayor duración en la historia de Broadway. Funcionando continuamente desde 1988 ha sido una atracción favorita constante para muchos de los que visitan la ciudad de Nueva York. El espectáculo cuenta la historia dramática de un hombre desfigurado que persigue a la Opera de París. Él se enamora de Christine Daae y la entrena a cantar como un ángel.

El Rey León

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Mantiene un lugar en la parte superior de las listas de los musicales ‘de más larga duración’. El musical es en su mayoría a lo largo de las líneas de la película animada de Disney es atractivo para los niños pequeños y las familias.

Cats

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Fue el programa de más larga duración hasta que abandonó el escenario alrededor de 2003. El espectáculo ha sido traducido a más de 20 idiomas y se ha representado en todo el mundo. Cuenta la historia de los gatos Jellicle y sus historias de vida.

Los Miserables

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Basado en la novela de 1862 del mismo título por Victor Hugo, es el musical de más larga duración en Londres. Situado en el período de malestar social durante la Revolución Francesa, los temas del libro y el juego se discuten en las clases de secundaria de todo el mundo.

Wicked

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Aunque no tan larga como algunas de estas otras producciones, este nuevo musical tiene al público viendo verde. Fue seleccionado por los espectadores como el mejor musical de 2007. El musical ha roto récords de taquilla en todo el mundo. También fue nombrado por la revista Time como el “mejor musical del año”. Wicked cuenta la historia de lo que era Oz, mucho antes de que Dorothy llegara.

Los productores

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Ha ganado la mayoría de los premios Tony cada vez año incluyendo Mejor Musical. Escrito por Mel Brooks el musical cuenta la historia de dos productores que tratan de hacerse grandes en un esquema de exagerar un flop de un espectáculo. Pero cuando el espectáculo se convierte en éxito, lleva a algunos momentos de humor.

A Chorus Line

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Es un viejo clásico que ha sido restablecido. La historia ha ganado varios premios Tony y ha estado alrededor del mundo por un tiempo, uno de los musicales de mayor duración en Broadway. El público se encuentra con 17 bailarines que comparten su vida personal, ya que la audición para un papel en una línea de coro.

Hairspray 

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Ha llevado a casa seis premios principales de los premios Tony, el único de los tres espectáculos musicales que nunca lo han hecho. La actuación cuenta la historia de las tensiones raciales en la década de 1960 y la campaña de una niña de integrar racialmente un famoso programa de televisión.

RentResultado de imagen de rent broadway

Es un musical de rock que cuenta la historia de pobres artistas jóvenes que viven en Nueva York. El musical, además de ganar un premio Tony al mejor musical también ha ganado un premio Pulitzer. Rent se hizo famoso por su atractivo para un público más joven.

ChicagoResultado de imagen de chicago broadway

Se basa en la verdadera historia de dos personajes que estaban en juicio por asesinato y fueron condenados como “no culpable”. Chicago es uno de los espectáculos de más larga duración actuales de producciones de Broadway en el escenario.