¿Qué es la danza contemporánea?

Para definir lo que es la danza contemporánea, tendremos que usar algunas ambigüedades: es un género alternativo y diferenciado de ballet y danza moderna. Hablamos de la danza contemporánea desde la segunda mitad del siglo XX (específicamente, desde los años 60), pero estas seis décadas han cedido el paso a la multitud de estilos, técnicas y disciplinas.

En términos generales, podemos decir que la danza contemporánea busca constantemente la innovación; Tanto en forma de movimientos, en las historias que quiere contar, en su estilo de música o en su distribución en el espacio. La característica principal es eclecticismo, además de que cada autor tiene su estilo individual.

Breve historia de la danza contemporánea

Para entender lo que es la danza contemporánea y de dónde proviene, tenemos que regresar a los Estados Unidos a finales del siglo XIX. Allí, de la mano de Isadora Duncan, surge la danza libre: se rechazan las formas clásicas del ballet, se buscan los movimientos naturales y simples, la improvisación y el contacto con la naturaleza.

10 consejos para la representación de Shakespeare

¿Tienes que interpretar una pieza de Shakespeare para clase o para una audición? He recopilado una lista de 10 consejos para principiantes para empezar con The Bard.

1. Lea toda la obra.

Siempre debes leer toda la obra para entender el contexto del monólogo o escena que estás realizando. Si estás haciendo la obra de tu escuela secundaria o la universidad, entonces tienes que leer toda la obra. Es esencial saber por qué estás diciendo las cosas que estás diciendo y cómo su carácter entiende, interactúa, y piensa en otros personajes y situaciones. Además, a veces parcelas de Shakespeare pueden ser confusas, por lo que cuanto más se sabe acerca de la obra, serás más capaz de entender (y tal vez enseñar a otros) acerca del espectáculo.

2. Familiarizarse con pentámetro yámbico.

¿Suena aterrador? Como todo lo que se aprende por primera vez, que puede ser. ¡PERO! Una vez que entiendas el sistema, estás libre de dolor. Pentámetro yámbico es una línea de verso con cinco pies métricos, cada uno compuesto de una sílaba corto (o no sometida a esfuerzo) seguido de una sílaba larga (o subrayado). Contar las sílabas en cada línea. Por lo general, cada línea será de diez sílabas, pero a veces no será más o menos, y esto sugiere cómo se podría entregar la línea. Si hay menos de 10 sílabas, se podría decir que la línea más lenta, con más intención; si hay más de 10 sílabas, se podría decir que la línea más rápida y con mayor urgencia. Esto es sólo un punto de partida con el pentámetro yámbico, pero pruébalo y verás cómo te sientes. A veces las líneas de Shakespeare serán escritas en prosa. En ese caso, no te preocupes por pentámetro yámbico!

 3. Obtener información acerca de la puntuación de Shakespeare.

Al igual que la gente usa el texto abreviado para comunicarse entre sí, Shakespeare utiliza puntuación para dar a sus actores claves acerca de cómo deben leer una línea. A continuación se muestra una lista de las diferencias entre la forma en que utilizamos la puntuación de hoy y cómo utiliza Shakespeare, su puntuacion.

  • Período – parada completa con énfasis adicional; la sentencia y el pensamiento se detiene completo.
  • Coma – indica un cambio en el pensamiento, sino también un lugar para tomar un respiro
  • Colón – una indicación de un nuevo pensamiento que surge; el personaje está tomando una nueva dirección con su intención
  • Punto y coma – una indicación de que la línea siguiente será una explicación del pensamiento que precede el punto y coma.

4. No te detengas al final de una línea a menos que haya un período!

No estoy bromeando. Directores que han sido entrenados para Shakespeare te gritarán (con amor) si te detienes al final de una línea cuando no hay período. A pesar de que se ve como las paradas de oraciones, sigue leyendo en la siguiente línea debajo de ella. Por ejemplo, ver la línea de Hamlet a continuación.

“Vete a un convento: ¿por qué wouldst eres un
criador de los pecadores?”

… debe leerse así:

“Vete a un convento: ¿por qué wouldst eres un criador de los pecadores?”

5. No sabe una palabra? Mira hacia arriba!

Además de ser algunos de los mejores literatura en el idioma Inglés, las obras de Shakespeare contienen una muy amplia variedad de vocabulario. Shakespeare con frecuencia utiliza un lenguaje arcaico en su verso – “arcaica”, que significa “muy antiguo o anticuado.” Está bien si usted no sabe inmediatamente lo que significa una palabra. Eso es lo que los diccionarios y el Internet son para. Usted será mejor leer simplemente mediante la realización de su trabajo!

6. Aprender a parafrasear.

A veces Shakespeare parece desalentador, pero una vez que entienda sus textos, que estará mejor equipado para ofrecer las líneas. Parafraseando es un ejercicio donde se toma florido lenguaje de Shakespeare y la nueva redacción, línea por línea, en la forma en que podría expresar esa declaración en particular hoy en día. Por ejemplo, tomemos “¿Por wouldst eres un criador de los pecadores?” Y paráfrasis en, “¿Por qué quiere dar a luz a más personas que contribuyen a la delincuencia y el odio?” Además, a menudo erróneamente denominado “traducción” de Shakespeare , paráfrasis no le obliga a superar la barrera del idioma extranjero. Verso de Shakespeare (y prosa) es una clase de Inglés llamada Edad Moderna Inglés. A pesar de que el estilo de escritura es diferente, Shakespeare escribe en su idioma – Inglés Moderno!

7. Consiga sus manos en una copia del primer folio.

Si usted encuentra este texto en un formato digital libre o se echa un vistazo a ese misterioso lugar llamado … la biblioteca … este texto le dará una mirada al interior de cómo Shakespeare escribió originalmente sus obras – para el oído. Para animar a sus actores para enfatizar ciertas palabras o decirlas de una manera particular, Shakespeare escribe palabras de forma diferente en diferentes contextos, dependiendo de cómo quería que ellos pronunciada. Por ejemplo, en el acto III del primer folio en Julius Caesar, Mark Antony dice, “dejar pasar la Dogges de Warre.” En este caso, Shakespeare quería más énfasis puesto en las palabras que normalmente se escribe “perros de la guerra”. Trata de decir las dos líneas en voz alta. “Dejó resbalón los perros de la guerra” a “dejar pasar la Dogges de Warre.” Escucha la diferencia?

8. Calentar su voz.

Vas a estar haciendo un montón de hablar cuando se realiza Shakespeare. Verbosa 98% de las veces, los personajes de Shakespeare hacer un montón de hablar porque ese es el estilo que Shakespeare le gusta usar. (Usted no encontrará una gran cantidad de diálogo Mamet-esque en una obra de The Bard.) Haga calentamientos vocales que utilizan toda la gama de su voz de tono alto (en la cabeza) a tono bajo (en el pecho y el estómago). Además, junto con el calentamiento de su voz para que pueda llevar a cabo la musicalidad vocal de la lengua, asegúrese de usar el apoyo de la respiración para que proyectas . Proyecto, proyecto, proyecto! El público que no están familiarizados con Shakespeare necesitan escuchar cada palabra que dice, así que asegúrese de esos sonidos llegan a sus oídos.

9. Hacer los ejercicios de dicción!

Esencial para cada espectáculo, no sólo Shakespeare, ejercicios de dicción ayudan a preparar la boca para golpear las consonantes fuertes al final de las palabras: k, G, de camisetas, y D’s. Al realizar Shakespeare, si usted no golpea sus consonantes, sus palabras sonarán como un revoltijo, mooshy y nadie va a entender que . ¡Que les hagan esas hermosas palabras! Crujiente de esos t! Hit los k! Sus palabras fluirán de la boca de un río de mágica awesomeness, iridiscente, brillante y su público se extasía con su habilidad y experiencia con la enunciación.

 10. Que se diviertan!

Shakespeare no se supone que es aburrido. Su trabajo abarca una amplia gama de emociones humanas y experiencias que sentimos y vivimos cada día: el amor, el odio, la venganza, los celos, la amistad, la alegría, la traición, la malicia, la nostalgia, alegría, esperanza. En cada línea, encontrar al menos una frase que puede encontrar la diversión en decir, si usted es el villano o el héroe. Cuando encuentre las piezas de Shakespeare que le gusta, podrá apreciar su trabajo más y vas a entender mejor tu personaje.

¿Qué es el teatro de títeres?

Antes de la pregunta ¿Qué es el teatro de títeres?, básicamente se podría decir que es un espectáculo que cuenta una historia a través de una figura inanimada, que se mueve gracias al esfuerzo de una persona, el llamado “manipulador”. Estas son las diferencias con el teatro tradicional porque, como en cualquier otro espectáculo, el objetivo es comunicar ideas, emociones y sentimientos ante una audiencia, ya sean niños o adultos.

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¿De dónde viene la palabra “títere”?

No está muy claro de dónde viene la palabra “títere” en español, pero es probable que se refiera a algunas fichas que se pusieron en la boca titiriteros, con las que hicieron un silbido: ‘ti-ti’. Sin embargo, en otros idiomas la palabra proviene del latín pupa, pupae (muñeca); Y por lo tanto “títere”, en inglés; ‘Puppen’, en alemán, o ‘pupo’, en italiano. Por otro lado, en Francia se les llama marionnettes a todos los títeres (no sólo a los de hilos, como en español), debido a algunas figuras de la Virgen con las que se realizaron representaciones religiosas, las “pequeñas Maries”.

Tipos de títeres

Hay títeres de todas las formas y tamaños, desde títeres de dedo hasta gigantes tradicionales y cabezas grandes, pero estas técnicas son las más utilizadas:

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  • Marioneta o títere: La marioneta es generalmente una figura de madera, con la cabeza, el tronco y las extremidades articuladas, que se conectan con los hilos a una cruz, con el cual sus movimientos son controlados. Es una de las técnicas más antiguas, y hasta el siglo pasado fue posiblemente la más empleada en el mundo.
  • Marioneta de guante: La cabeza de esta marioneta suele ser voluminosa y de un material resistente, mientras que el cuerpo de tela es donde el titiritero pone su mano … como un guante. ¡De ahí su nombre, obviamente!

Los 10 espectáculos de siempre de Broadway

Es difícil nombrar el mejor de todos espectáculos de Broadway. Es como elegir un hijo favorito. Cada uno aporta un estilo único, la historia y la cultura a la etapa que encanta a un público de todas las diversas culturas y orígenes.

Sin embargo, hay algunos programas que destacan por encima de la multitud.

Se han convertido en nombres muy conocidos y han ofrecido a sus usuarios volver a los cines una y otra vez. He aquí una lista de los diez mejores shows que han adornado los escenarios de Broadway.

El fantasma de la ópera

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Ha sido el espectáculo de mayor duración en la historia de Broadway. Funcionando continuamente desde 1988 ha sido una atracción favorita constante para muchos de los que visitan la ciudad de Nueva York. El espectáculo cuenta la historia dramática de un hombre desfigurado que persigue a la Opera de París. Él se enamora de Christine Daae y la entrena a cantar como un ángel.

El Rey León

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Mantiene un lugar en la parte superior de las listas de los musicales ‘de más larga duración’. El musical es en su mayoría a lo largo de las líneas de la película animada de Disney es atractivo para los niños pequeños y las familias.

Cats

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Fue el programa de más larga duración hasta que abandonó el escenario alrededor de 2003. El espectáculo ha sido traducido a más de 20 idiomas y se ha representado en todo el mundo. Cuenta la historia de los gatos Jellicle y sus historias de vida.

Los Miserables

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Basado en la novela de 1862 del mismo título por Victor Hugo, es el musical de más larga duración en Londres. Situado en el período de malestar social durante la Revolución Francesa, los temas del libro y el juego se discuten en las clases de secundaria de todo el mundo.

Wicked

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Aunque no tan larga como algunas de estas otras producciones, este nuevo musical tiene al público viendo verde. Fue seleccionado por los espectadores como el mejor musical de 2007. El musical ha roto récords de taquilla en todo el mundo. También fue nombrado por la revista Time como el “mejor musical del año”. Wicked cuenta la historia de lo que era Oz, mucho antes de que Dorothy llegara.

Los productores

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Ha ganado la mayoría de los premios Tony cada vez año incluyendo Mejor Musical. Escrito por Mel Brooks el musical cuenta la historia de dos productores que tratan de hacerse grandes en un esquema de exagerar un flop de un espectáculo. Pero cuando el espectáculo se convierte en éxito, lleva a algunos momentos de humor.

A Chorus Line

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Es un viejo clásico que ha sido restablecido. La historia ha ganado varios premios Tony y ha estado alrededor del mundo por un tiempo, uno de los musicales de mayor duración en Broadway. El público se encuentra con 17 bailarines que comparten su vida personal, ya que la audición para un papel en una línea de coro.

Hairspray 

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Ha llevado a casa seis premios principales de los premios Tony, el único de los tres espectáculos musicales que nunca lo han hecho. La actuación cuenta la historia de las tensiones raciales en la década de 1960 y la campaña de una niña de integrar racialmente un famoso programa de televisión.

RentResultado de imagen de rent broadway

Es un musical de rock que cuenta la historia de pobres artistas jóvenes que viven en Nueva York. El musical, además de ganar un premio Tony al mejor musical también ha ganado un premio Pulitzer. Rent se hizo famoso por su atractivo para un público más joven.

ChicagoResultado de imagen de chicago broadway

Se basa en la verdadera historia de dos personajes que estaban en juicio por asesinato y fueron condenados como “no culpable”. Chicago es uno de los espectáculos de más larga duración actuales de producciones de Broadway en el escenario.

 

 

Top 10 de los ballets más grandes

Cómo estaba navegando a través de las muchas listas de Listverse, me di cuenta de algo. Nunca ha habido una lista de Ballets; y me pareció que era una pena. Los ballets han caído por el precipicio cuando se trata de popularidad. La música en el ballet es tan, si no más bella, que cualquier pieza de música jamás escrita. Cuando se juntan con movimientos elegantes e impecables es un maravilloso espectáculo, los ballets pueden ser un espectáculo que te llevaría a las lágrimas, a la risa y las emociones que nunca antes habías sentido. Aquí os dejo una lista de los diez ballets más grandes de los últimos tiempos.

10. La Cenicienta

Coreografía de Rostislav Zakharov, música de Sergei Prokofiev

Existen muchas versiones diferentes de este ballet, pero el original se realizó en 1945, en Moscú, Rusia. Prokofiev es uno de mis compositores favoritos, con habilidades fantásticas para componer, y su Cenicienta no es una excepción. Basado en el cuento de hadas, el ballet se caracteriza por su fantástica puntuación y tono de muy buen humor. El principio del ballet, creo, es una de las más bellas piezas de música y es prácticamente desconocida.

9. Don Quijote

Coreografía de Marius Petipa, música de Ludwig Minkus

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Realizado originalmente en 1869, en Moscú, Rusia, este hermoso ballet se basa en el libro “Don Quijote de la Mancha”, de Miguel de Cervantes. La historia sigue a Don Quijote en su búsqueda de la caballería y la matanza de bestias míticas. Organizado originalmente en 4 actos y 8 escenas, es un ballet inmensamente encantador y divertido, con buena música.

8. La bella Durmiente

Coreografía de Marius Petipa, música por: Pyotr Tchaikovsky

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No, no es la película de Disney, pero este hermoso ballet tiene algo de la música más bella de todos los tiempos. realizado en 1890, en San Petersburgo, Rusia, y en base a Charles Perraults “La Belle au bois dormant”, La historia habla de la princesa Aurora, que es maldita al pincharse el dedo con una con una rueca y dormir durante 100 años. Esto, de hecho, llega a pasar hasta que se despierta por el beso del príncipe. Se casaron al final del ballet.

9. Sueño de una noche de verano

Coreografía de Fredrick Ashton, la música de Felix Mendelssohn

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El ballet más reciente en la lista, realizado originalmente en 1962, la mayor parte del crédito para este ballet en realidad va a Balanchine, quien puso todo. Mendelssohn no escribió la música para el ballet a sabiendas, era sobre todo la música de fondo a la versión de juego que se volvió a trabajar en la música de ballet. La historia se basa obviamente en la obra de teatro del mismo nombre, por el gran William Shakespeare, y se ha convertido rápidamente en uno de los Ballets americanos más populares de todos los tiempos.

6. Consagración de la Primavera (La consagración de la primavera)

Vaslav Nijinski coreografía de, música de Igor Stravinsky

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Admito, que siento mucho no poner esta obra en un puesto más alto (más cerca al número 1). Es mi ballet favorito personalmente, pero lo mantengo bajo debido al hecho de que solo tiene una duración de unos 30 minutos, pero la importancia, la belleza y la emoción detrás de este ballet es enorme. Se estrenó en París, en 1913, y comenzó una revuelta. Cuando fueron a ver el rendimiento, que no estaban preparados para la falta de gracia. Que se utiliza a la fuerte subida melodías de Ballet Ruso, miembros de la audiencia se sorprendieron al encontrar armonías arenosas, y menos elegantes, y los movimientos bruscos. Es mucho mejor recibida por el público de hoy. La historia es la de un sacrificio de una joven al dios de la primavera. Ella está matándose a sí misma a través del baile.

7. La Bayadera

Coreografía de Marius Petipa, música de Ludwig Minkus

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Realizada en 1877, en St. Petersberg, Rusia, este ballet en cuatro actos es considerado como el mejor trabajo de Petipa, por algunos. La historia habla de Nikiya y Solor, que han jurado ser fiel el uno al otro. En su celo, el Alto brahmán desea tener a el guerrero Solor muerto, pero su plan no sucederá. En su lugar, Nikiya será matada por una serpiente establecida por un hombre llamado Rajah, que cree Solor debe estar con su hija en lugar de Nikiya. Solor está a punto de casarse con la hija del Rajah, pero los dioses, en su ira, mató a todos en el templo. Sí, que era una versión muy corta de una trama bastante profunda, pero no obstante, tiene algunos de los movimientos más célebres (como el Reino de Sombras) de cualquier escena de ballet.

4. El cascanueces

Choreograpy por: Petipa e Ivanov, música de Pyotr Tchaikovski

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Esta pieza fue criticada casi universalmente cuando se estrenó, en 1892, en St. Petersberg, pero desde entonces ha crecido hasta convertirse en uno de los ballets más populares de hoy en día, debido a sus lazos con la Navidad. Sobre la base de ETA Hoffmann “El cascanueces y el rey de los ratones”, la historia habla de una niña, Clara, que se ve reducida al tamaño de un ratón, y su amado cascanueces que va a la guerra, con otros juguetes, contra el mal Ratón Rey. Él se transformó más tarde en un hermoso príncipe y se van al reino de la Hada de Azúcar (Confiturembourg) para gobernar para siempre. Con la música y la danza maravillosa acariciada, se ha convertido en el elemento básico de los ballets de álamo en el siglo 20.

3. Giselle

Coreografía de Coralli y Perot, música de Adolphe Adam

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Uno de los más buscados después de las funciones de todos los tiempos para un bailarín de ballet es el personaje principal de este clásico. Basado en el poema de Heinrich Heine, se trata de una joven campesina llamada Giselle, que conoce a un noble vestido como un plebeyo y se enamora de él, sin saber que él es noble de cuna. Cuando otro hombre que ama a Giselle, llamado Hilarión, le descubre a que es un noble y Giselle se da cuenta de que ella no puede estar con él, noticia por la cual se vuelve loca y muere por un corazón débil. En el segundo acto, cuando Hilarión va a llorar a la tumba Giselle, es recibido por los espíritus de mujeres muertas llamadas Wilis, que lo lanzan en un río para matarlo. Cuando llega el noble, las Wilis lo condenan a muerte, pero el espíritu de Giselle salva la vida, y entonces ella se aparta en paz a la otra vida. Un ballet lleno de emoción y bella danza, se considera un clásico entre todas las formas de entretenimiento.

2. Romeo y Julieta

Coreografía de Leonid Lavrovsky música de Sergei Prokofiev

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Otra ballet basado en la obra de William Shakespeare, la historia es muy conocida. Realizado en el año 1938, en Checoslovaquia, que fue vuelto a trabajar de manera significativa y revisada, y abrió de nuevo en 1940, en Leningrado, Rusia. Este ballet se considera que es un epítome de la música y el movimiento, y el ballet es una obra maestra de Prokofiev. Este es un ballet que es realmente demasiado hermoso para ser hablado, sino que debe ser visto y oído para ser plenamente comprendido y amado. El movimiento y la música, y los colores, lloro sólo de pensar en ello ahora.

1. Lago de los cisnes

Coreografía de Julius Reisinger, con música de Pyotr Tchaikovsky

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Se estrenó en 1877, en Moscú, fue originalmente titulada “El lago de los cisnes”, pero fue acortado a simplemente “lago de los cisnes” después de que volvió a trabajar de manera drástica por Marius Petipa y Riccardo Driggo en 1895, y así es como se conoce hoy en día. Cuando realizaron el primero fue visto con duras críticas, se cree que es demasiado difícil y no tiene nada especial. Sin embargo, ha llegado a ser una obra maestra de Tchaikovsky, y fue también su primer ballet. La historia es la de Odette, una princesa que es maldecida por Von Rothbart para convertirse en un cisne durante el día, pero es humana por la noche. Un príncipe, llamado Siegfried, ve la forma de cisne de Odette transformada en una hermosa mujer y se enamora al instante. Ellos van a un baile juntos, hasta la mañana siguiente cuando se transforma de nuevo en cisne. El príncipe va a por ella y encuentra otra mujer, llamada Odile (interpretada por la misma mujer que interpreta a Odette) que es la hermana gemela de la reina cisne Odette. Lo mismo está previsto, por supuesto, por Von Rothbart, y cuando Siegfried cae por Odile, Odette es condenada a ser un cisne para siempre. Al darse cuenta de su error Siegfried busca el perdón, pero Odette está eternamente obligada a ser un cisne, por lo que el príncipe y la princesa se suicidan y suben al cielo juntos. La poderosa historia es vista por el público de hoy en día como una ópera. Una película premió de la Academia llamado “Cisne Negro” fue lanzada en 2010, y también es la base de la historia de Shrek, la película de Disney “La princesa cisne”, y muchas otras historias y leyendas. Es una verdadera obra maestra de ballet, y siempre se ha considerado una de las mejores y más grande representación de ballet de todos los tiempos.